Nicéphore - Histoires Photographiques

Aujourd'hui, on connaît Dora Maar comme l'éternelle « femme qui pleure ». Mais on oublie souvent qu'elle était l'une des photographes les plus audacieuses de sa génération.
Photographe surréaliste, militante antifasciste, elle a investi tous les territoires qu'on réservait aux hommes : la mode, la rue, le reportage engagé, le nu, le charme. Elle a signé les tracts contre le fascisme, documenté la création de Guernica, inventé des photomontages sans coutures. Puis Pablo Picasso lui a fait fermer son studio.
Dans cet épisode de Nicéphore, je retrace le parcours de cette artiste flamboyante : son enfance entre Paris et Buenos Aires, son ascension dans la photographie commerciale, son entrée dans le cercle surréaliste, sa relation d'emprise, son effacement, et le long travail des femmes qui, aujourd'hui, la sortent de l'oubli.
Cet épisode a un miroir. Au même moment, sur le podcast Les Oubliées, Camille raconte l'histoire de Jacqueline Lamba, peintre, amie de toujours de Dora, elle aussi été réduite au rôle d'épouse et de muse. Nous avons pensé ces deux épisodes ensemble, à l'image de l'amitié qui liait ces deux femmes. Pour poursuivre l'écoute avec l'histoire de Jacqueline, clique ici 👉 Jacqueline Lamba : peintre, pas seulement muse
 
Pour retrouver l'épisode de Camille :
Podcast : Les Oubliées
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Patreon : Les Oubliées
 
SOURCE :
Chadwick, W., Howgate, S., & Tate Modern (dir.). (2019). Dora Maar. Tate Publishing.
Dora Maar House. (s. d.). Biographie. Consulté le 10 juillet 2026, sur https://www.dora-maar.org/biographie
Beauzac, J. (animatrice). (2021, 18 mai). Picasso, séparer l'homme de l'artiste [épisode de podcast]. Dans Vénus s'épilait-elle la chatte ? https://www.venuslepodcast.com/episodes/picasso,-séparer-l'homme-de-l'artiste
 
COUVERTURE : Rogi André, Portrait de Dora Maar, date inconnue. Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian. © Droits réservés.
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"Nicéphore", composée par Pierre Lutz, est une création spécialement conçu pour ce podcast. Tous droits réservés.
Le podcast Nicéphore est une création originale d'Élodie Bonin.
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Dites « photographie surréaliste », et on vous répondra : Rêve. Onirisme. Poésie et Douceur.
Mais en 1934, une série de photographies surréalistes est publiée. On y voit des poupées juvéniles démembrées. Le titre est de l'artiste. « Variations sur le montage d'une mineure articulée ». Tous acquiesce, personne ne proteste.
Voilà le rêve dont on vous parlait. Et il a le corps d'une enfant.
Car la photographie surréaliste n’est pas née du hasard. Il naît de la Grande Guerre. Elle s'est bâtie sur des théories érotiques brutales. Et partout dans le monde, ses artistes ont fabriqué des images en réaction aux répressions coloniales et fascistes de leur temps.
Voilà toutes les histoires qu'il nous faut raconter pour comprendre pourquoi ce mouvement, officiellement dissous depuis 1969, travaille encore nos pratiques photographiques.
Dans cet épisode, je ne vous parlerai pas du surréalisme tel qu'on le présente d'habitude. Je vous montrerai ce que ses images font, et ce qu'on n'a préféré caché.
Je suis Élodie Bonin et vous écoutez Nicéphore, le podcast qui vous plonge dans l'histoire de la photographie pour insuffler une nouvelle ère dans votre créativité.
 
SOURCE :
Agret, A., & Païni, D. (dir.). (2023). Surréalisme au féminin ? [Catalogue d'exposition]. Musée de Montmartre – Jardins Renoir.
Bibliothèque nationale de France. (s. d.). Le surréalisme. https://classes.bnf.fr/queneau/reperes/courants/10quen.htm
Le Gall, G. (2007). Atget et le surréalisme. Bibliothèque nationale de France. https://essentiels.bnf.fr/fr/article/3987d2d3-3256-4b26-8cd9-97448079bc91-atget-et-surrealisme
Marly, M. (s. d.). La guerre du Rif (1921-1926), une guerre coloniale. EHNE – Encyclopédie d'histoire numérique de l'Europe. https://ehne.fr/fr/encyclopedie/thématiques/leurope-et-le-monde/leurope-et-les-guerres-coloniales/la-guerre-du-rif-1921-1926-une-guerre-coloniale
Mieux vaut art que jamais. (2025, 31 janvier). Les artistes femmes surréalistes [Vidéo].
Sontag, S. (2008). Sur la photographie (P. Blanchard, trad.). Christian Bourgois. (Ouvrage original publié en 1977)
 
COUVERTURE : Claude Cahun (French, 1894-1954) in collaboration with Marcel Moore (French, 1892-1972), Aveux non avenus frontispiece, 1929-1930, Photomontage, Silver gelatin print, Jersey Heritage Collections © Jersey Heritage

MUSIQUES : 
Waking Dreams · Toy Theme · Bienvenue au cirque · Midnight Big Top 3 & 4 · The Creepy Circus · Horror Background · La Danse de Frankenstein · Nostalgic Music Box with a Toy Ballerina · Desert Trip Morocco · Arabic Relaxing Sleep Music · Down the Water. © Libres de droits via Pixabay.
 
 
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Dans la France de l'après-guerre - dans les salles de rédaction et les studios de reportage - Henri Cartier-Bresson fait sa loi. Le flou est admis, mais à ses conditions seulement. Il ne doit jamais être cherché, ni revendiqué pour des raisons esthétiques. Il est toléré, mais uniquement quand il dit quelque chose de vrai sur l'instant vécu. Et pendant des années, cette doctrine va fonctionner comme une norme — tenant le flou en laisse, lui accordant une place sans jamais lui laisser la liberté de s’épanouir pleinement.
Si vous n'avez pas encore écouté les épisodes précédents de cette série,  je vous invite à vous commencer par le début — vous y trouverez tous les fils que nous avons tissés ensemble depuis le premier épisode.
Mais si vous êtes déjà là, voici où nous en sommes : depuis Céline Laguarde jusqu'à Henri Cartier-Bresson, chaque photographe que nous avons rencontré débattait encore, d'une façon ou d'une autre, de la légitimité du flou. Cherchant à prouver qu'il était un choix et non une erreur. Cherchant à lui trouver une justification — artistique, technique, scientifique voir même politique et social.
Au fil de six épisodes, nous allons voyager dans le passé et rencontrer des photographes qui ont tous eu un lien spécial avec le flou, que ce soit de manière conflictuelle, revendiquée ou même subversive. Six témoins d'une histoire dont on parle rarement. Parce que derrière le flou, se dissimule bien davantage qu'une banale question de netteté. Il y a aussi une affaire d'art, de classe sociale, de légitimité — et de vérité.
Alors, matière ou filtre ?
Installe-toi confortablement, et laisse moi investiguer pour toi. Je suis Élodie Bonin et tu écoutes Nicéphore, le podcast qui te plonge dans l'histoire de la photographie pour insuffler une nouvelle ère dans ta créativité.
 
SOURCE :
Cette série s'appuie sur les recherches de Pauline Martin, dont la thèse de doctorat "Le Flou et la Photographie : histoire d'une rencontre (1676-1985)" édité aux presses universitaires de Rennes : https://pur-editions.fr/product/9311/le-flou-et-la-photographie
 
COUVERTURE :
La femme aux gants, Paris, 1987.
© Dolorès Marat
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adolescent de bonne famille court derrière des voitures de course avec un appareil trop grand pour lui. Ses images sont floues en plus d’être décadrées et déformées. Et personne, à l'époque, ne sait vraiment si c'est du génie ou de la maladresse.
Des décennies plus tard, les archives de ce jeune Jacques Henri Lartigue feront le tour du monde.
Si vous n'avez pas encore écouté les épisodes précédents de cette série,  je vous invite à vous diriger vers le début — vous y trouverez les fils qui se nouent aujourd'hui. Mais si vous êtes déjà là, voici où nous en sommes : depuis Céline Laguarde, chaque photographe que nous avons rencontré entretenait avec le flou une relation qui lui était propre. Revendiquée ou dissimulée, maîtrisée ou feinte, délibérée ou rétrospectivement construite.
Mais aujourd'hui, nous rencontrons quelqu'un de différent. Quelqu'un qui ne revendique pas le flou — mais qui ne le rejette pas non plus entièrement. Quelqu'un qui a bâti une des œuvres les plus célébrées du XXème siècle sur une position apparemment simple, et en réalité profondément contradictoire.
Il s'appelle Henri Cartier-Bresson. Et en France, dans les années cinquante, on l'appelle le “pape de la photographie de reportage”. Ses règles sont strictes. Ses exigences plutôt intimidantes. Et sa position sur le flou - précise et conditionnelle — va peser sur toute une génération de photographes français.
Au fil de six épisodes, nous allons voyager dans le passé et rencontrer des photographes qui ont tous eu un lien spécial avec le flou, que ce soit de manière conflictuelle, revendiquée ou même subversive. Six témoins d'une histoire dont on parle rarement. Parce que derrière le flou, se dissimule bien davantage qu'une banale question de netteté. Il y a aussi une affaire d'art, de classe sociale, de légitimité — et de vérité.
Alors, classicisme ou révolutionnaire ?
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SOURCE :
Cette série s'appuie sur les recherches de Pauline Martin, dont la thèse de doctorat "Le Flou et la Photographie : histoire d'une rencontre (1676-1985)" édité aux presses universitaires de Rennes : https://pur-editions.fr/product/9311/le-flou-et-la-photographie
 
COUVERTURE :

Henri Cartier-Bresson (1908 - 2004), Derrière la gare Saint-Lazare, 1932.
© Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos
© Centre Pompidou, MNAM-CCI/Georges Meguerditchian/Dist. GrandPalaisRmn
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Dans les années vingt - rue Campagne-Première - un photographe américain fait du flou une arme. Man Ray met en scène le hasard, construit le mythe de l'accident, et transforme l'erreur en génie revendiqué. Sous ses doigts, le flou cesse d'être une langue héritée de la peinture — il devient une provocation.
Et puis vient quelqu'un qui, lui, ne revendique rien. Ou peut-être que si. Et c'est précisément là le problème — personne ne le sait vraiment.
Si vous n'avez pas encore écouté les épisodes précédents de cette série, je vous encourage à commencer par le début — vous y trouverez les fils que nous continuons à tisser aujourd'hui. Mais si vous êtes déjà là, voici où nous en sommes : depuis le début de cette enquête, chaque photographe que nous avons rencontré avait conscience de jouer avec le flou. Céline Laguarde le revendiquait. Laure Albin Guillot le dosait. Et Man Ray le mettait en scène.
Mais aujourd'hui, tout change.
Parce que le photographe que nous allons rencontrer, lui, n'a peut-être rien revendiqué du tout. Ou peut-être que si. Et c'est précisément là le problème — personne ne le sait vraiment.
Son nom, c’est Jacques Henri Lartigue. Et dès l'âge de six ou sept ans, son père lui met un appareil photo entre les mains. Ce qui va suivre — ces images floues, déformées, décadrées, d'une liberté formelle stupéfiante — va être redécouvert soixante ans plus tard. Et le monde de la photographie va se déchirer sur une question apparemment simple : est-ce du génie, ou est-ce de la maladresse ?
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SOURCE :
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COUVERTURE :

Jacques Henri Lartigue (1894 - 1986), La Théodore Schneider n°6 de René Croquet au Grand prix de l'Automobile Club de France, 1912 ou 1913.
© J. H. Lartigue © Ministère de la Culture, France, MPP-AAJHL | Numérisation : Musée d’Orsay / Patrice Schmidt
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