VIANDALISM

Dans cet épisode, Amélie Caussade parle de la création comme d’un besoin permanent.
Formée à la kinésithérapie et à l’ostéopathie, elle raconte comment son rapport au corps traverse aujourd’hui sa pratique de sculptrice. Ses œuvres naissent d’armatures, de laine, de tissu, de gypse, de couches successives qui évoquent les os, les tendons, les ligaments, la peau et la chair.
L’épisode explore aussi son rapport au temps, à la respiration, au geste, à l’intuition et à la confiance.

Dans cet épisode, Fabien Maze parle de la création comme d’un besoin quotidien, presque vital.
Issu du graffiti, il revient sur la construction progressive de son langage graphique, puis sur cette nécessité plus récente d’ouvrir sa pratique à d’autres dimensions : le volume, la matière, la récupération, l’accident.
Mais au fil de l’échange, une autre ligne apparaît : son abstraction cherche moins la pure démonstration formelle qu’une forme d’équilibre possible. Une manière de faire tenir ensemble des éléments distincts, des tensions, des contrastes, des formes et des couleurs dans un espace commun.
Un épisode sur la recherche, la sincérité, la matière, et sur la possibilité pour l’abstraction de porter une vision du monde.

Dans cet épisode, Jeremee Elee Elinck parle de la peinture comme d’un terrain de jeu, de réflexion et de risque.
Issu du graffiti, il revient sur ce qui l’amène à créer : le plaisir du geste, l’envie de discuter le monde, et la recherche de réponses purement artistiques.
Avec Mural Fabric, il explore l’érosion de la matière.
Avec Vandal Version, il confronte des œuvres iconiques à la puissance imprévisible de l’extincteur.
La deuxième partie de l’épisode ouvre une réflexion plus large sur l’intelligence artificielle, la personnalité de l’artiste et ce qui distingue une image générée d’une œuvre réellement incarnée. Pour Jeremee, le sujet n’est pas de défendre une nostalgie du geste. Le sujet est plus simple : son approche, c’est la matière. Et c’est à travers elle qu’une personnalité peut se forger, se montrer, se transmettre.
Un épisode sur la spontanéité, la performance, la matière qui décide, et cette idée centrale : une œuvre est vivante lorsqu’elle porte quelque chose de profondément personnel.

Dans cet épisode, Ségolène Kan parle de la peinture comme d’une nécessité absolue.
Elle revient sur son besoin d’arpenter des paysages extrêmes, sur son goût pour le drame, et sur cette recherche d’un moment de bascule où le geste prend le dessus sur la peur. Elle évoque le dérapage, l’accident, la vitesse, le rapport à l’aquarelle et à l’huile, et cette idée que la peinture doit rester pure dans son émotion.
Un épisode sur la solitude choisie, la liberté, la transgression douce et la force de conviction d’une œuvre.

Dans cet épisode, L’Atlas revient sur ce qui relie son parcours dans le graffiti à sa pratique actuelle de la peinture contemporaine : le nom, la lettre, le signe et la géométrie. Il parle de la peinture comme d’un espace de retrait, de joie et de liberté, mais aussi comme d’un travail physique, quotidien, qui engage le corps autant que l’esprit.
Il évoque l’archive, la typographie, le rapport à la main, l’hypnose du geste, la place de la machine, et cette idée fondamentale qu’une œuvre ne vit vraiment que lorsqu’elle a été donnée.
Un épisode sur la création comme nécessité, sur le temps vécu, et sur ce que l’artiste laisse derrière lui.