Fiac （法国国际当代艺术博览会）和 Asia Now （法国今日亚洲艺术博览会 ） 这两个艺术大商场，一个操着欧美口音，一个操着法语腔的亚洲口音。不管什么口音，当有展示，有成交，这就说明： 无论历史转折点的社会有多么一触即发地脆弱和危险，当艺术在社会中还能活着，就还能发挥信物的作用，让我们在各种憧憬、梦想、欲望和一步一个脚印的人生旅途中，多一个思想感情交流的渠道，多一个把玩的内容，多一个世界观的观察点，多一个趣味的落脚点，多一个可以天马行空异想天开的宇宙。你收藏了信物，和大家分享；你没有收藏信物，你的眼睛，你身体的一部分，也可以得到分享。 艺术，有一点象潮流， 但绝不是潮流。它是我们生活里和我们心心相印，惺惺相惜的信物。我们寄情于物，借物传情。因为我们珍惜与我们爱的人，我们尊重的人的思想和感情的交流，所以信物就有了非凡的价值。 艺术，是模仿不来的 。因为特定的思想，特定的感情，一定会有特定的方法在艺术品上呈现。你可以去模仿一件高尚的艺术品，但是模仿的结果一定只是高尚的影子，而不是高尚的实体。艺术作品之所以高尚，是因为它的全部，包括材料、媒介、体量、色彩、比例、机理和规范，一切的一切，刚刚好能与特定的思想感情浑然一体，因为条件、天时地利的巧合、因缘，都是唯一的。 刚刚在巴黎闭幕的两个受人关注的艺廊联展 Fiac 和 Asia Now 给我们提供了挑选艺术作品的平台。这两个联展，就像两家专卖艺术品的高级商场，里面的艺术品琳琅满目。 在 Fiac 展场里面，一方面，有的信物随着创作者和收藏家的离世，失去了信物的意义，成为资本游戏的筹码。另一方面， 一些极具时代特征的艺术信物还没有被注意到、认识到，没有被心心相印的人看到、发现。 我们的时代特征还是让我们看到了艺术的信物当代性的方向。什么是我们这个时代的特征 ？ 我们正在经历的是新的产业技术革命，是生产力的提高，是在这个背景下的财富分配矛盾，是在财富分配矛盾里的动摇社会稳定的危机。 巴黎的大街上有黄背心运动，他们争取的是更公平正义的财富分配。Fiac 展场里也有类似黄背心的作品。一件大幅标语式的作品赫然写道 “世界被扭曲了，我们必须回归到世界的本原”， 另一件作品描绘房屋倒塌的画面，标语式的黑体字写道“在愤怒的生活中死去”。除了标语，你还可以看到赤裸的人体雕塑，生殖器解剖模型式的玻璃阳具，在牢笼中拥抱的熊男熊女。这些作品插图式地告诉观众，活着有多不耐烦，活到了只剩下性器官的人生。这一类艺术让人想到了欧洲各地的街头对财富垄断的抗议，对财富再分配的呼唤。 走出口号艺术，到了成熟的艺术名家那里，Fiac 中王度的作品马克龙胸像描述的是新冠疫情中的马克龙戴着口罩， 握着拳头，象是在呐喊的动作。本来一个时代的领袖胸像往往是大理石或青铜做成， 摆在大理石坐基上，矗立在宫殿里。王度的玻璃钢彩色胸像把一个政治家在我们这个政治经济的历史转折点时刻的姿态用写实的手法和透视变形的处理呈现给心有灵犀一点通的艺术收藏家。这是信物。 阿拉伯产油国的王子们和酋长们在一个接一个地请严培明画头像后，他们的宠物金鹰的画像也出现在 Fiac 的展厅里。没有听说阿拉伯产油国那里有象中国那样的财富一分配，再分配，三分配政策， 也没有听说那里有法国这样的黄背心， 从财富金字塔的层面， 严培明的金鹰像符号性地让我们通过艺术透视到我们这个时代的另一面特征。这是信物。 与 Fiac 隔了一天开展的 Asia Now 开幕式上，艺术家赵端做了一个行为表演。赵端把一根直径约5 厘米的PVC 水管的一头插进自己的嘴里。水管不是软的那种，很硬。另一头，合作者王轩鹤的嘴张不了那么大，就在水管接头再接了一个直径小一点的水管， 但还是把嘴撑到夸张的极限。他们是在豪华的奥斯曼建筑的庭院里表演，如果从楼上的窗户俯视着看下去，远焦距地看，好像他们含着水管，在演绎新冠疫情解禁之后人的本能的释放。 在巴黎学习艺术史的博士生张慧向我们介绍了她的解读。张慧是在楼上看，但换个角度，观众在楼下表演者的跟前看，那感觉到的就不是在表达人的本能了， 而是看到艺术家在很不舒服地，很困难地，甚至很勉强地忍受着被自己插在嘴里的异物， 在展商，藏家和艺术家同行之间穿梭。当几乎所有人都感觉到这份沉重的劳作之后，两位艺术家坐下来，往插在嘴里的水管上画图腾。水管有三米长，表面和美术馆，艺廊的空间一样白。他们吃力地画着，画到手实在伸不到够不着的地方才停下来。 水管是什么 ？ 在财富分配失衡引发的社会矛盾越来越尖锐的今天，艺术家群体中很多人在说笑，说有一种想象，要在那些一日暴富的投机者的钱庄里拿艺术插一根水管，接到自己的钱包里来。其实这就是用艺术来促进再分配的梦想。 赵端和王轩鹤的水管是不是呼唤促进财富和资源公平正义地再分配的水管？ 他们的行为表演的高度抽象没有办法让观众作出可以确信的判断。但是他们体现出来的挣扎是明显的。当他们艰难地穿梭在艺术展商、藏家、艺术家同行、媒体和公众人群中表演， 当离Asia Now 不远，Fiac 里的作品透露出来的社会矛盾让人没办法视而不见的时候，把这次表演放在大的图景里来看，他们之间有着此起彼伏的呼应， 真是不约而同。作为征兆，多多少少加深了人们对社会抗争情绪的体会，让人们对社会巨变即将来临的预感变得更加强烈。 赵端和王轩鹤那两张被撑大的嘴，她和王轩鹤在被自己插进的水管造成的夸张，看上去狂野。但正是这种不精致才自然天成地浓缩了他们的抗争力度。这就是艺术。想象一下，如果把贾科梅蒂的雕塑用磨砂纸磨平抛光，再涂上珐琅彩， 那还是贾科梅蒂吗 ？ 如果追求精致型优美，赵端现阶段的艺术创作就会失去了原生的真实，失去了构成她的艺术所必须的力量和神韵。 或许体会到信物的作用，赵端的艺廊主王柳飒在表演现场，把一本本刚刚制作好的赵端个展画册分送给了观众。 当然，生活是多元的，艺术的信物远远超越财富分配失衡下社会矛盾的大背景。Asia Now 里，安晓彤诗经一般写意的形态和3厘米长的金色与直径半个厘米的红点，淡妆浓抹地把她多年前用银制作的心锁爱情锁私密锁柔软地解开了。她的信物是要和谁分享 ？ 可惜代理安晓彤的画商黎宁春先展示了7幅画作中的4幅， 到Asia Now 接近尾声的时候， 她找到了更好的策展布展的办法，把7幅画作作为一个完整的画面展示了出来。 为代理画家谢磊的艺廊HdM （Hadrien de Montferrand Gallery）工作的潘曦说，藏家们收藏了两幅谢磊的画， 这些藏家都是很有经验的人。 我眼里的谢磊一直在营造自己的艺术语言，他用图搭起一个想象的世界，在这个世界里有人物，有山水，有风景， 有花鸟， 有故事。他的信物往往是他的想象的世界里的一个局部，当藏家有越来越多的局部的时候，会听到谢磊的一千零一夜里的哼哼和鸟语， 看到湿漉漉的身体背后的故事。 当 Nicolas Bourriaud 作为策展人带来胡晓媛的“虫写”让我们看到昆虫在腐蚀着白色画面，被文明人摆布成自然创造文明的时候，Asia Now 里最新鲜的血液，青年艺术家任瀚把鸟雕刻在欧洲古老的书本上，放在壁炉架前，他把宋徽宗的气息想象了出来。 看上去他有一个老灵魂。 Asia Now的主人 Alexandra Fain 说，最让她高兴的，是大家在说 Asia Now 新鲜，是Asia Now 有营销业绩。 当然这要看谁了，第一次到 Asia Now 参展的展商黎宁春还在研究当中 。老资格的艺廊 A 2 Z 这次乐开了花，他们经过几次摸索，终于从低业绩里冲了出来，他们说从过去的经验里知道布展特别重要，这次他们花了大力气来布展。终于把展厅里的这个那个艺术家的这件那件作品都卖了出去，他们越来越会交朋友，越来越知道怎么样在对的人那里为作品找到知音，让作品成为信物。 Fiac 和 Asia now 这两个艺术大商场，一个操着欧美口音，一个操着法语腔的亚洲口音。无论什么口音，当有展示，有成交，这就说明： 无论历史转折点的社会有多么一触即发地脆弱和危险，当艺术在社会中还能活着，就还能发挥信物的作用，让我们在各种憧憬，梦想，欲望和一步一个脚印的人生旅途中，多一个思想感情交流的渠道，多一个把玩的内容，多一个世界观的观察点，多一个趣味的落脚点，多一个可以天马行空异想天开的宇宙。你收藏了信物，和大家分享。你没有收藏信物，你的眼睛，你身体的一部分，也可以得到分享。 我用我的笔，我的广播，和大家分享我的所见所闻，我眼里的信物，我喜欢的艺术。

一说起法国19世纪新古典主义著名画家安格尔（Jean-Dominique Ingres，1780-1867），很快就会提起他的长寿和多产。但在他赢得罗马大奖，成年之前呢？在成为伟大的官方艺术家，获得荣誉军团勋章之前，在他为坐在帝国宝座上的拿破仑一世画像之前，在执掌罗马法国学院美第奇宫之前，在荷马后裔的万神殿中拥有位置之前，他更像是谁呢？他是如何实现笔下沐浴者的性感，以及那么多著名肖像画的真实、力度和高贵。 目前在奥尔良美术博物馆举办的季节展——"安格尔之前的安格尔，为了画而画（Ingres avant Ingres, dessiner pour peindre）"画展，正是针对安格尔早期的这段青葱岁月。馆长Mehdi Korchane指出："传记作家常常倾向于将莫扎特式的天才模式移植到画家的青年时代。他们把画家变成了一个神童"。 当然，为了与年轻的英格尔相遇，可以去他出生的城市走一走。虽然蒙托邦博物馆拥有画家工作室的藏品（4500张画！）。但奥尔良博物馆引以为豪的是拥有让-查尔斯-奥古斯特-西蒙的肖像，这是一张具有非凡技艺的华丽作品，通过综合运用影线和擦笔技巧，来渲染黑色烘托白色高光，第一次显示出作为达维特的学生，他在同龄人中的优势。为了这次展览，博物馆从塔恩-加龙省找来了画家40多张素描作品，对它们进行了修复。这些画展示了，在成为一名成熟的画家之前，安格尔花了很长的时间用铅笔素描为自己做了大量准备工作。 卓越的模仿能力 一开始时，首先安格尔有一位画家父亲——约瑟夫-玛丽自己也是一位画家，而且从展出的几幅侧面微型小像看得出是一位相当出色的画家。他是安格尔在图卢兹学院求学之前的第一位启蒙老师。1791年，年轻的安格尔带着他父亲给画夹来到玫瑰色之城：画夹里面有数百幅拉斐尔、提香、鲁本斯、华托作品的版画复制品。 毫无疑问，这个少年一直在临摹这些名作，直到他对作品的内容烂熟于心。他需要这种完整的基础教育，才能进入当年最著名的画家达维特的巴黎画室。一张画在牛皮纸上的水彩画，让人们可以认出达维特的作品“雷卡米尔夫人”。学生的这幅摹本将这幅名画与后来他自己的《大宫女》联系在了起来（这两幅杰作都是卢浮宫的藏品）。 由于他准确的、不含杂质的、细腻的线条，安格尔赢得了人体模特素描的奖项。然而，这些素描从未曾展出过，因为它们在1968年学运时被巴黎美术学院的学生们销毁了。安格尔描绘人体的能力得到了美院院士的青睐，如《男人的躯干》（1800年）。在他对古典主义作品的学习中，可以看到 安格尔对肌肉结构的关注，既完美也有张力。这样的画面充斥着他罗马绘画大奖获奖作品——《阿基里斯接见阿伽门农的大使》。 精致的肖像画实践 同时，安格尔也完善了他的肖像画技法。在等待酬金更丰盛的大型订单时，这种技法也可以让他增加些收入。这一时期，他的风格基本上是随着当时官方其他主要艺术家之一——让-巴蒂斯特-伊萨贝的脚步，伊萨贝以"黑色风格 "的肖像画著称。 安格尔在1801-1802年为临摹达芬奇的肖像《美丽的费隆尼耶夫人》画的一幅习作，已经具有与原作相媲美的精细。它还见证了安格尔对文艺复兴的崇拜。热爱大自然，对光的感觉：他宣称；"我们应该跪着临摹古人"，帷幔的褶皱、肌肉的纹理、手势和雄辩的姿态都来自在卢浮宫中看到的神话人物。 如果这是全部了，就已经令人印象深刻了。但是，安格尔的天才更胜一筹。展览还展出了他大量的人物素描写生，从中不难看出日后他那些著名肖像画的影子。 有改变人体结构比例的倾向 最后，与16世纪的矫饰主义画家一样，安格尔的画风发展出了一种改变人体结构的倾向。这样做的目的是为了获得新的美感，因此而超出了人体的正常比例。因此，他1804-1806年作品《萨尔马西斯和赫玛弗洛德》中，人物的手和脚就被拉长或缩短了。 在画完西蒙的肖像后（其完成年代是有争议的），安格尔觉得可以拿起画笔了。安格尔24岁时的自画像（这幅油画一直保存在尚蒂伊的康德博物馆里，该博物馆从不外借）曾被大幅修改过。奥尔良博物馆的一幅蚀刻画藏品证明了这副肖像早期的状态。显示出左手正拿着一块布将画板上的粉笔印记擦掉，而不是之后看到的左手放在胸前，这一修改极具价值。从那时起，安格尔将不再只有自信。在获得罗马大奖的那天，约瑟夫-玛丽不再给自己的作品署名 "安格尔"，而是署名 "安格尔之父"，把姓氏单独留给了儿子。 "安格尔之前的安格尔，为了画而画（Ingres avant Ingres, dessiner pour peindre）"画展，奥尔良美术博物馆，直到2022年1月9日结束。电话：02 38 79 21 83。

9月30日在巴黎卢浮宫拉开帷幕的 "巴黎-雅典 "季节展让人联想到希腊神话和史诗《奥德赛》中有六个头和十二条腿的海怪斯库拉。展览的副标题是 "1675-1919年现代希腊的诞生"，展览一共就四个主题进行了讨论。按参观线路中出现的顺序排出了：从路易十四时代到1829年国家独立战争和奥斯曼帝的失败，法国和希腊之间的政治关系；从18世纪末到20世纪初，对古希腊艺术不同形式的热情；在同一漫长时期，对拜占庭艺术的好奇心；最后是希腊艺术生活直到20世纪20年代的最初表现。这些主题真的不少，甚至太多。 每个主题都足以满足一个规模不小的展览，但将它们合在一起就组成了庞大的活动。每个主题展开的长度是不等的：如，对古希腊的考古学部分占了展览内容的一半以上，而有关拜占庭的部分则只有两面墙的内容，一面墙讲了开始部分，另一面墙则接近结束。希腊独立战争的内容占据了一整条画廊，其中的画作的展出效果由于所处展览空间的狭窄而受到影响，尤其其中一幅是法国浪漫派大画家德拉克洛瓦的作品《米索隆基废墟上的希腊》，这难免就更令人恼火。相比之下，法国的学术成就，从1828-1833年的莫雷亚探险到德洛斯（1873-1913年）和德尔斐（1892-1903年）的艺术发掘，以及1846年法国雅典学校的创建，则以大量的设计图、测绘图、绘画、水彩、书籍、照片和翻模模型的堆积来展现。 对考古的思考 然而，所有这些就其本身而言，还是值得研究的。能解释曾使用的技术，并向那些经常不被人记住名字的参与者表示敬意，尽管他们的技艺高超。此外还会提醒帷幕，翻模模型的多种用途之一就是尊重古迹。展览中最先看到的一个石膏翻模模型就再现了帕特农神庙的一个浮雕部件（metope），它现在和埃尔金勋爵自1801年到1811年运回伦敦的所有其他希腊物品一起保存在大英博物馆里......这是细节吗？并非如此。 本次展览的策展人之一是卢浮宫前总裁让-吕克-马丁内斯（Jean-Luc Martinez），展览提出了许多关于在过去两个世纪里，对考古发掘以及博物馆收藏的疑问。如其中令人不快的质疑是考古发掘是科学还是文化的掠夺？这一问题在第一个展厅就为帕特农神庙摆上了台面。当 1820年的考古发现米洛的维纳斯，并被法国大使购买时，这一质疑再次出现，并提及1825年荷兰军官罗捷上校（1771-1857）在米洛岛上进行的考古发掘。在短短的几天内，他装满了一箱又一箱的马赛克，雕像和花瓶的残片，彼时正值希腊独立战争，他趁机将发掘的这些古代艺术品强行带回荷兰，现在这些作品保存在莱顿博物馆（荷兰），而博物馆对这些艺术品来源可疑的情况是了如指掌。 相比之下，法国考古学家从1891年起在德尔斐遗址（阿波罗神庙）的考古发掘所遵循的方法则更为强硬，因为这一发掘将当时普遍采用的分享法排除在外，分享法是将一半的发现留在希腊，另一半由考古学家带回国。所有这些相关的重要史实都印在展览目录中，但展品的展示只是草草带过。 色彩问题 另一个蜻蜓点水般掠过的问题是建筑和雕像外表的色彩。和中国寺庙里的外墙，彩塑一样，这些大理石作品完成时，外表通常都涂有色彩鲜明的颜色，可随着时间的推移色彩渐渐失去，以至于当代人对古希腊艺术的普遍看法产生误区，以为它们都是原色的，但这一引起轰动的艺术发现，只是通过巴黎美术学院学生Benoît Loviot或Victor Blavette的一些复原性尝试来解释一二。这对具有深远影响的古代建筑、绘画和雕塑作品来说，展览的解释说明实在时少得可怜。 当然要将问题说清楚，就需要展览空间，而不是将整个一个展厅里的布置都给了吉里洪（Gilliéron）家族，在19世纪下半叶，这个瑞士的艺术家族专门从事真迹复制和复制艺术品的生产，也就是生产当时还不被人们称作的艺术衍生品。或是反其道而行之，应该去详细展示希腊旅游业的发展、复制品市场和这些行业的经济重要性，从18世纪的第一批旅行者到今天的旅游经营者们。现在游览希腊只要三天的事件，而参观者在雅典卫城的漫步，快的像是在赛跑。 至于欧洲大国--德国、法国、英国之间的竞争，以及考古发掘的政治背景，在展览中几乎没有被提及。人们几乎忘记了从1832年起统治希腊的第一个王朝是巴伐利亚的维特尔斯巴赫家族，而第一次世界大战引发了亲德党派和赞成联盟党派之间的对抗，直到1916年国王康斯坦丁一世被迫退位，这位国王本是丹麦人，他的妻子是普鲁士的公主。展览所要颂扬的法国与希腊友谊并不总是那么显而易见。 此外还有一个同样有趣的现象。俗话说："贪多嚼不烂"。可很少有能像这次展览那样，证明了这句俗语的真实性。 巴黎卢浮宫博物馆， "巴黎-雅典"季节展，每周三至下周周一，上午9点至下午6点。门票从15欧元到17欧元不等。展览2022年2月7日结束。网站地址：Louvre.fr

第四届台湾电影节9月24日在巴黎拉丁区的Filmotheque影院拉开帷幕。为期五天的影展通过"奇片异影"、"福尔摩沙之美"、"焦点影人"三个主题的十部影片，向巴黎观众展示台湾风情。 就本次影展放映影片的选择，本台采访了协助影展举办的台湾文化部巴黎文化中心的胡晴昉主任，她表示：应该主要是选最近两年，在台湾比较受瞩目的，讨论度高的电影，其实这几部影片中，《亲爱的房客》的（ 主演）莫子仪是得了金马奖最佳影帝， 《怪胎》在台湾也引起了很高的讨论度，因为它用iPhone拍出来的，《男人与他的海》是环保的议题， 它的配乐是客家歌手林生祥的配乐 。所以它（影节入选）的每一部电影都是在台湾比较受瞩目的。就像刚刚主持人有讲说，因为在台湾有很多，就是很大很有名的大导演，无论是蔡明亮也好，侯孝贤也好。那现在我们很希望介绍一点 新生代的台湾导演，还有新生代的演员，他们的作品。 影节开幕式播放是奇片异影单元的《怪胎》一片，这是一部首次用iPhone智能手机拍摄的影片，在台湾上映是曾引发热议，就此胡主任表示： 原因就是很简单， 其实现在串流平台的关系， 还有copy netting的关系，然后还有这些年轻的导演，其实相对来讲，他们不像已经成名的导演得到的资源比较少一点，所以他们为什么会引起讨论，就是因为这些新生代的导演用自己的方式去被看见。就是，我拿不到资源拍片，我用iPhone可不可以，所以这实际上是很新的了。我觉得电影已经有好几种制作方式了，以前有studio(摄影棚拍摄)的导演，像黑泽明他们那些人，后来有法国的新浪潮，台湾的新浪潮，他们就用一个更简单的，比较变成一种作者电影的概念。那新生代，意思就是说40岁以下的人（导演），他们对的世界又更不一样。所以我是觉得相对来讲，他们的创作手法，他们使用的科技和各方面，其实更有想法。   爱情片《怪胎》在放映过程中不时引来观众的笑声，影片结束后，法国观众Mireille 表示，自己感触良多，这是一部恰如其分的影片，她说从表面上看题材是很怪，但实际上是并非如此，超出了对当今患有精神强迫症（OCD）的人社交生活的映射，是部很深沉的电影，同时又很幽默，画面色彩对比艳丽，直接，符合影片人物的性格，我很喜欢这部影片，很有创意。而且就我看过的台湾影片来说，影片中的氛围确实有台湾的印记。 影节的主办方是FILMOSA电影协会，由一群旅居巴黎，热爱台湾电影的电影系留学生及从业人员在2018年共同创立的。协会组织影展今年已经是第四届了，就本次影展与前三届有何不同，协会负责人王慧茹女士表示说：“原则上我们的团队有多多少少 （一些人员）的流动，有增加人员， 我觉得我们一年一年比一年更进步，所以我们越来越有组织性，组织得越来越好。除了这个之外，我觉得在内容上我们越来越丰富。就是我们希望给观众每年是不同的东西，所以我们每年的主题也是不同的。那今年最特别的是除了比较新的影片外，我们还放映了（上世纪）60年代的台语修复片《大侠梅花鹿》，这是不管在台湾或是在国外都是非常难得在大银幕上看到的影片，所以我觉得非常的特别。这可以说是今年我们的创举。其次是“焦点影人”（单元）郑有杰，郑有杰其实在台湾是非常知名的导演，中新生代的导演，但可惜的是在法国能见度比较低一点，相对之下，毕竟侯孝贤，蔡明亮，杨德昌导演的光芒实在是太大了。所以难免就是......很可惜法国观众没有办法认识台湾中新生代导演。所以我们策划他的（影）展。今年也跟郑有杰导演交流，他也说这是首次有一个影展，一次放这么多部他的（影）片。从他的早期作品，还是用十六厘米拍的（《石碇的夏天》），到他去年的新作，2020年的《亲爱的房客》在台湾获得了很多奖项。大概横跨20年（的作品）吧！” 就组织影展中遇到的困难，王女士表示：“主要当然第一个是经费吗！ 这是很多影展的困境，在现行的状况下，确实台湾在文化方面的补助就是很少，还是跟法国无法相比，这是首先的第一个资金比较多的困难 。 其次是放映版权。台湾的话，有的时候就比较难知道，比较久远以前的片的话，比较难知道影片的版权在哪里。 再来的话，还有素材的问题。因为比方说，台湾电影数位化（又称数码化）比较晚，所以像郑有杰导演早期的影片都没有数位化，所以他（郑导演）为了我们影节把他早期的影片数位化。我们觉得非常地开心。因为有杰导演他自己也说，大家都不放（映）他的片，所以都不会去找他的旧片来播放，在台湾的化，可以运送35厘米或是16厘米（的影片），可是在海外的话就比较困难。所以他就为了我们影展，把他比较久以前的作品数位化。那当然其他的影片也有影片素材没有数位化的问题，那我觉得就要一个一个克服的问题。这是我遇到比较多的问题。”

二十世纪著名的雕塑家贾科梅蒂对古埃及雕塑非常着迷，正如目前在巴黎十四区，以他名字命名的学院举办的展览中所展示的那样。 1920年11月在参观了佛罗伦萨博物馆之后，贾科梅蒂在给父母的信中这样写道，"这些是雕塑。他们除掉了从整个人物身上所有的必要东西，甚至没有可以插进一只手的洞，但以一种非同寻常的方式让人获得了运动和形态的感觉"。 信中写的"他们 "是指古埃及的雕塑家。字里行间透露出的只贾科梅蒂对这种艺术崇拜的早期迹象之一。 在获得佛罗伦萨启示几个月后，在罗马，贾科梅蒂再次给父母写信，称："到目前为止，而且我认为这将不会改变，我所看到的最美的雕像既不是希腊的，也不是罗马的，更不是文艺复兴时期的，而是埃及的雕像"。他对西方雕塑在梵蒂冈博物馆的糟糕展示感到愤慨，并继续说道。"埃及的雕塑有一种宏伟的气势，线条和形态的韵律，一种完美的技术，是后世所没有的。(......)头像似乎是活的，它们看着你，并在和你对话。它之后的所有艺术都或多或少具有描述性。这种艺术不仅仅具有形态和线条，当然也有很深的感情......" 在这一观点上，贾科梅蒂直到生命的最后一刻，也没有改变。无论是在谈话中，还是信件里，他对"埃及的狂热 "证明比比皆是，甚至在1957年，他在工作室里摆拍了一张自己仿照埃及第18王朝一尊雕像的照片，他的姿势精确到背部的僵硬，双腿平行，双臂贴身，双手放在膝盖上，一副不可捉摸的样子。 直立的人物扬名立万 贾科梅蒂经常去卢浮宫参观，以那里的古埃及雕塑藏品为依托，贾科梅蒂学院这次用非常有说服力展览来展示博物馆和艺术家之间的相辅相成。这次的展览在两个方面是令人信服的：历史和艺术。展览的历史部分从贾科梅蒂在博物馆或照片中看到埃及作品后画的素描开始。从20世纪20年代到50年代，他的注意力从间断。 铅笔素描，根据书籍中的图片用铅笔或圆珠笔画的速写，对埃及底比斯的雕像或壁画进行结构分析研究，尤其是绘画时对神或国王两只眼睛的缩减，对法尤姆的彩绘肖像的水墨简图：这些作品的数量如此之多，以至于显得展厅太小，几乎不能展出全部作品。有人认为，贾科梅蒂对埃及的需要可能是如此强烈，以至于他马上满足了自己，而对作为依据的艺术书籍或杂志，则毫无尊重。 作品的展示是基于雕塑之间的比较，结构性的比较。贾科梅蒂从没有复制或是模仿任何古埃及的作品。但他确实保留并应用了其创作原则。垂直性原则鲜明地展现了裸体，不管是女性的还是男性的，从来都是身体直立，手臂在躯干旁轻微摆动，幅度很小，双腿或病历或迈开很小的一步。其他的都不重要，不管脸部只是一个揉捏的球形，乳房或腹部有造型，甚至有没有手臂，都没什么关系。 人物直立直截了当的方式展示在人前，这种直接似乎随着细节的删除而增加。无论雕塑的规模如何，大型的或小型的，它都是活着的。对于静态的人物，从正面看，有时直挺挺的，而运动中的人物，则是单腿向前，也仅仅如此。 其他的主题和其他的姿势，即埃及书记官的姿势，双腿交叉盘腿而坐，胸部僵硬，比人体自然比例还长。书记官的坐姿是等边三角形般的几何图形，成为一座艺术丰碑：一个能够经受时间考验的，规则的，紧凑的整体。只需要查验在卢浮宫中的古埃及雕塑藏品和贾科梅蒂的石膏模型，就可以发现：他将他的模特们——妻子安妮特、弟弟迭戈、朋友埃利-洛塔尔和其他人，固定在自己的模式中，就像埃及第十二王朝时期，令人钦佩的多色木质夫人雕像一样，具有牢固的架构。 名为"贾科梅蒂和古埃及"的展览，在巴黎14区的贾科梅蒂学院展出，（地址：5，rue Victor-Schoelcher，paris 75014）。展览直到10月10日结束。周三至周日，上午11点至下午2点半接待参观。门票价格从3欧元到8.5欧元不等。有兴趣的听友不妨前往观赏。Institut-giacometti.fr